Art Rotterdam 2014

Art Rotterdam 2014





Van Nelle Fabrieq ha sido el lugar elegido para albergar la XV edición de la Feria de Arte Contemporáneo de Rotterdam. Un lugar que destila magia y misterio, para muchos edificio emblemático para la muestra de arte. Llama la atención al llegar desde el puente su majestuosidad, alzándose como un buque blanco reclamando tu atención. Y es que esta antigua fabrica de te, tabaco y café, combina su arquitectura modernista  , su maquinaria, sus pasillos de azulejos blancos inmaculados con las miles de obras que presentan este año las 114 Galerías de arte principalmente de Holanda y los Países colindantes, que hacen que Art Rotterdam 2014 se focalize en su mayoría en arte europeo.




Tres secciones, Main Section, , Projections y New Artists. Tras el éxito del pasado año, la feria repite con un espacio dedicado a obras de video-art de jóvenes artistas europeos. En palabras del director de la feria, Fons Hof, "Es una nueva forma de mostrar imágenes de vídeo como una realidad propia dentro de la feria de arte. En un 1000 metros cuadrados de espacio a oscuras, encontramos 19 proyecciones de video de ubicación exentas en las paredes. Con una espectacular puesta en escena, ha sido muy bien recibida por los coleccionistas y curadores internacionales.(…) El video sigue siendo un medio joven en el mundo del arte, por lo que encaja perfectamente con nuestra identidad "







Ruben Bellinkx (Amberes, Bélgica, 1975). Artista paradigmático y singular. Animales vivos y objetos inertes conforman el maridaje en la mayoría de sus obras, en las que el ser humano se convierte en parte integrante de la historia, pero ¿quien domestica a quién?. Universo peculiar del artista donde la obra cuestiona los universos de poder y de control que el hombre ejerce con mucha inocencia sobre él mismo y sobre su entorno familiar. En Stasis (12') crea una escultura humana, a modo de Castellet, con la diferencia que los pilares de cada piso son hombres que sujetan con solo sus mandíbulas una mesa. Crea pues, nuevas realidades en un entorno muy figurativo, que sin embargo el resultado es ambiguo y abstracto. Stasis es parte de un trabajo en video en el que tortugas, mesas, sillas, conejos y humanos se interrelacionan.



Danika Dakic's (Sarajevo, 1962). Podríamos definirla como un artista de la imagen, video, cine, fotografía e instalaciones son los campos donde desarrolla su trabajo. Es un artista que investiga la identidad individual y colectiva a través de aspectos corporales.; siendo muy importante el lenguaje que se establece entre ellos y la cámara, estableciendo ciertos códigos interrelacionales entre los mismos, denotando sus gestos en ciertos momentos defensa ante un posible espectador. Así en First Shot (2007/2008) la identidad es la base del trabajo, reflejo de su propia experiencia como inmigrante bosnia en Alemania. Encuentra sus temas y actores normalmente en grupos sociales de marginados en diferentes partes del mundo, concretamente para este video, jóvenes discapacitados de Pazaric, un pequeño pueblo de Bosnia. dos protagonistas cubiertos con máscaras suben al escenario y muestran con sus gestos sus deseos, sueños y fantasías.









Miguel Angel Ríos, (Argentina, 1943). "The ghost of Modernity" (2012) nos habla de las zonas olvidadas en Perú, Mexico, Brasil y Argentina. El artista pone el acento en fenómenos políticos y sociales específicos de cada región y confronta al espectador tanto como a su identidad. En un paraje casi inhóspito un cubo de cristal vuela, con unos movimientos sinuosos y suaves, flota y se desliza a su vez en estructuras cúbicas metálicas sin paredes. Para la filmación de "Ghost of Modernity" tomó de referencia la música que compuso John Cage para el film de Hans Richter "Dreams that money can buy" (1947). Si Cage exploraba el silencio como elemento determinante, en el caso de Rios habla del silencio del paisaje, evocando este silencio a través de las estructuras cúbicas, con las paredes transparentes, vacías que hacen que el espectador entre en un espacio totalmente renovado del cual puede entrar y salir.












Fernando Sánchez Castillo (Madrid, España, 1970). objetos cotidianos y simples como pueden ser las piedras son el instrumento que utiliza Castillo a modo de símbolos, que bajo una mirada irónica cuestiona temas como el arte, la política o la historia. Historia en concreto de España que ha sido preocupación constante en su trayectoria artística de la cual extrae su lado estético y moral. "Stone soul Army" (2013) muestra a componentes de las fuerzas armadas de Perú ejerciendo una especie de ritual-concierto con un único instrumento: Piedras; éstas adquieren un doble sentido, como símbolo político y cultural, pero también como el arma más antigua conocida, los músicos-soldados emiten sonidos que evocan tiempos pasados.













Art Rotterdam 2014




Van Nelle Fabrieq has been chosen as the place to host the XV edition of The contemporary Art rotterdam Fair. A place that oozes magic and mystery and for many a emblematic building for the art shows. Arriving there draws your attention its majesticality rising as a white ship catching our gaze. this old tea, tobacco and coffee factory, combining his modernist architecture, its machinery, its immaculate white tiled hallways with thousands of works presented this year by the 114 art galleries mainly from Holland and neighboring countries, which makes Art rotterdam 2014 focalize on mostly in recent European Art.




Three sections: Main section, Projections and new Artist can be seen the fair. following the success of last year, the show repeats a space devoted to video-art works from very young european artists. In the words of the show's Director, Fons Holf, "It's a new way to display video images as a separate reality within the art fair. A 1000 square meter space in the dark, there are 19 video projections with screens suspended on the air. boasting a spectacular staging, it was well received by international collectors and curators. Video is still a young medium in the art world, so it fits perfectly with our identity".














Ruben Bellinkx (Antwerp, Belgium, 1975) Paradigmatic and singular artist. Live animals and inanimate objects, make up the pairing in most of his works, in which the human being becomes and integral part of the story, but who tames who? the artist's particular universe questions the universes of power and control that man exercises with much innocence about himself and his family. In Stasis (12") he creates a human sculpture as a "castellet", but with the difference that the pillars of each floor are men holding a table just with their jaws. he creates, new realities in a very figurative environment, although the result is abstract and ambiguous. Stasis is part of a video work in with, turtles, tables, chairs, rabbits and humans interact.




Danika Dakic's (Sarajevo, 1962). Could described her as an image artist: video, film, photography and installations are the fields where she developed her work. she is an artist who investigates the individual and collective identity, through bodily aspect. the language being very important that exits between the performers and the camera, establishing certain inter-related codes character-camera-viewer, denoting gestures  at some moments of defense against a possible viewer. So in First Shot (2007-2008)identity is the base of work, reflecting her own experience as an bosnian immigrant in Germany. she finds their topics and actors normally in marginalized social groups in different parts of the world, specifically for this video, young disabled of Pazaric, a small village in Bosnia. In the video 2 protagonist wearing mask take the scene showing with gestures, their desires, dreams and fantasies.




Miguel Angel Rios (Argentina, 1943). The ghost of Modernity (2012) tell us about the forgotten Peru, Mexico, Brasil and argentinian areas. the artist emphasizes in specific political and social items of each region confronting the viewer as much as to his identity. In an almost inhospitable place a glass cube flies with sinuous and smooth movements floats and glides turn into metal cubic structures  without walls. For the filming of ghost of Modernity  reference was taken from the music composed by John Cage for the Hans Richter's film "Dreams the money can buy" (1947). If Cage explored silence as determinant element, in the case of Rios, he speaks about landscape silence, evoking this silence brought the empty cubic structures, with transparent walls, which make the viewer go into a completely renovated space which can come and go.

Setxu Xirau Roig

Setxu Xirau Roig

Hasta donde pueden llegar los límites de la experiencia artística? Quien debe establecer cual es el fin de una práctica artística?. Dentro de los marcos establecidos y reconocidos como proceso creativo, nos encontramos a un nuevo artista, Setxu Xirau. Un artista claro y limpio en sus procesos comunicativos entre obra-objeto y receptor. Conversaciones que si bien aparecen ya comenzadas, dan pie a sesgados parlamentos que derivan en un sinfín de caminos y crean a su vez espacios de intersección con múltiples significados que pueden o no estar intrínsecos en cada pieza de su trabajo mas reciente.

En un principio y bajo una rápida mirada de su obra, conocemos y reconocemos objetos, es por lo tanto un guiño a la cultura pop, pero que Xirau re-contextualiza de nuevo donándolos de un nuevo horizonte característico, representativo y simbólico. Materia inerte que se convierte en núcleo reflector, cuestionando la vida de los objetos, sus usos y abusos, a su vez debatiendo su propia idiosincrasia. El resultado es de una sutil belleza estética, un claro ejemplo de ello es “The lovers”, en la que contrapone una maciza y tosca pata de elefante con una frágil copa de cristal, contraponiendo texturas, signos contrarios, lo hercúleo versus lo quebradizo, componiendo una metáfora de símbolos ante la que el espectador espera que ocurra lo inevitable, pero la debilidad del cristal contradice su propia cualidad, esperando impertérrita un desastroso final que nunca llega.

Xirau impregna a su obra todo un abanico de irónicos e inteligentes matices, las piezas hablan y el artista despliega sus dotes en las diferentes disciplinas artísticas, pintor-escultor-diseñador-creadordeespacio-poeta, aludiendo a nuestra sociedad y la cultura que nos rodea, estableciendo una crítica muy reflexiva acerca de cosas tan familiares como puede ser unos simples  y austeros botes de pintura, como si todo lo enmascarásemos, pero a la vez nos habla del elemento pictórico por excelencia que es la pintura, utilizando para ello el máximo referente en pintura para el hogar, Titan, creando un espacio cargado de poesía. Botes de pintura utilizada y derramada que se fusionan con el mostrador de madera están llenos de cultura e identidad de un territorio muy concreto como es la España de las ultimas décadas, porque quien no ha utilizado alguna vez en su hogar esta  archi-conocida marca de pintura?

Juanra Garcia, Batallion of execution

Juanra Garcia

Carlos IV's family

The family of Charles IV, as we know them, masterfully depicted by Goya in 1800 represents the height of the spanish bourgeoisie, the royal family, in a convulsive time for spain in the early nineteen century. This brutally shocking image by the whole history that carries in itself, after more than 200 years serving as a reference to the photographer Juanra Garcia, which deals the painting of the "aragones" genius from the more impertinent and transgressive aspect approaches all senses. 

Iconographically speaking Carlos IV 's family has been the subject of multiple studies about the desires, wills and longing from each of the members of this unique family. Juanra Garcia comes to the painting and threshes in a series consisting of fourteen extraordinary photos. His work is more a iconological study than iconographic, putting in jeopardy the values of the bourgeoisie and the family as we have never seen it before.

Through images, we are entering in a world without qualm or false truths, the protagonists are divesting themselves of the clothes little by little and with it any prejudice established in regard to the family system. If it is true that each of the components of the group maintains that gaze and pose both hieratic and cold that we sensed in Goya's painting, in this case actually become challenging. the use of various costumes and items, which are not mere objects, being the way as the photographer treats them become symbols that acquire a vital importance by giving to the work of glamour, warmth or vividness, shaping a group of "tableau vivant" waiting to start  to move and revealing some hiding secret to us.

Is it therefore a deconstructions of family? Nowadays, have we other family values? the artist  indirectly poses these questions  to a restless spectator eager to see what will become....


Juanra Garcia. La familia de Carlos IV

La familia de Carlos IV, tal y como la conocemos magistralmente representada por Goya en 1800 representa el maximo de la burguesia española, la familia real, en un momento convlso para la España de principios del siglo XIX. Esta imagen brutalmente impactante, por toda la historia que conlleva en si misma, tras mas de 200 años sirve de referente para el fotografo Juanra Garcia, que aborda la pintura del genio aragones desde la vertiente mas impertinente y trasgresora en todos los sentidos.




Iconograficamente la familia de Carlos IV ha sido motivo de multiples estudios acerca de las voluntades , deseos y anhelos de cada uno de los integrantes de esta singular familia. Juanra garcia se acerca a la pintura y la desgrana en una serie compuesta por 14 extraordinarias fotografias, su trabajo es mas un estudio iconológico que iconografico, poniendo en jaque los valores de la burguesia y de la familia tal y como nos ha llegado hasta ahora.











A traves de las imagenes, nos adentramos en un mundo sin tapujos ni falsas verdades, los protagonistas van despojandose de la ropa poco a poco y con ello de cualquier prejuicio establecido en cuanto a el sistema familiar. Si es verdad que cada uno de los componentes del grupo mantiene esa mirada y pose un tanto hieratica y fría que ya percibíamos en la pintura de Goya, en este caso se convierten incluso en desafiantes. El uso de diversos ropajes y elementos, hace que no sean meros objetos, siendo la forma como los trata el fotografo se convierten en simbolos que adquieren una importancia vital donando a la obra de glamour, calidez, viveza.. Son 14 "tableau vivant" esperando a empezar a moverse y contarnos algun secreto escondido.





Es por lo tanto una destructuralicion de la familia? Tenemos hoy otros valores de familia?muchas de estas cuestiones nos las pregunda indirectamente el artista a un espectador inquieto de ver que ocurre finalmente.

Aernout Mik

This summer Stedelik Amsterdam has focused its temporary exhibition in the Dutch artist Aernout Mik .. His training as a sculptor and his high interest in architecture, make the exhibition to become a whole amalgam of videos that form and make an original architecture of the space. 13 video-installations that although each individual acquires and donates his "modus vivendi", to go and see the gallery in all its extension generates a common dimension to all of them.

It is precisely under the name of "communitas" where we can find the work of Mik made ​​in the last decade. As usual, the Dutch artist talks and tells the psychological and social state of society today. The crisis, economic recession, coexistence or failing the "bad coexist

Arnout MIk based part of their Works on the principle of found footage, and more precisely on the recuperation of press photos — and works that are wholly staged, such as Schoolyard (2009), Osmosis and Excess (2005), Park (2002), and Middlemen (2001). These pieces reflect different forms of violence, aggression and tension, and show the diversity of forms of behaviour: gatherings, clashes, rituals and collective obsessions. Shot in Italy, Mik’s latest installation, Shifting Sitting (2010–11), continues his long-standing exploration of the different forms of democracy in Europe.

In Schoolyard 2 video screen show us a dutch high school, where the emotions, tensions and rituals of the emerging dutch society are played out. Young people of various cultural and ethnic backgrounds: dutch, turkish, moroccan and surinamase. Different images are melted, rioting in the suburbs of major cities, public funerals in Ismalic countries or Intifada palestinian. Students, mothers, teachers show us all these virulent and aggressive cross-cultural situations.

Osmosis and Excess impresses you by being a giant and horizontal screen hanging from the ceiling. We observe quantities of medicines that putting together become decorative towers that encourage us to consume. Snuff, hygiene products and medicines all evoke a world of purity and rationality contrasting with a dark floor and worn as well as products open and scattered on the floor. This landscape becomes a quagmire that drag you to a car cemetery. Tijuana and San Diego, two spaces, two cultures, two worlds disconnected but interwoven.

Middlemen, explore the behaviour of a collective in a moment of catasthrope. Scene- stock market in the midst of a crash. All scattered on the floor. Mick creates a choreography of the crisis of capitalism. We are facing a chaotic situation, the agents move as brokers, pointing in his block and look to a display of values. 

Comunitas, Mik's Works are video are performance, are architecture, are document are reality overlapping of fiction. The space in which they are immersed his works are carefully studied and programmed by the artist, and in this way not only the work has an implicit content, but by the look of the spectator completes it with explicit information.

Ron Mueck


Mi primer contacto en directo con uno de los personajes creados por Mueck fue en Melbourne, en la NGV. Cuando uno se dispone a pagar la entrada se topa de narices con un señor en paños menores no muy alto de estatura y esteticamente feo , su cantidad de vello por decirlo sutilmente,innvadía practicamente todo su cuerpo y una barriga prominente hacia el horizonte de tal vez por mas de un exceso en la vida , no nos resultaría agradable ni apetecible a primera vista. Curiosamente uno esta a su vera y si le miras de reojo, esta figura parece cobrar vida y poco a poco me va pareciendo menos hostil, hasta casi encontrarle cierta simpatía. Y es que ante tal derroche de realidad, o mejor dicho supra realidad, al final uno no tiene mas remedio que aceptarle no como un ser inerte y sin vida, sino como alguien que esta dispuesto a entablar una conversación y hacerte partícipe de su historia y de su vida.






Esta extraña sensacion de conectar con estas singulares esculturas me ha sucedido de nuevo en la Fundation Cartier de Paris donde actualmente se celebra una exposición del artista australiano. No mas de nueve obras consta la muestra, - seis de reciente manufactura y tres producidas especialmente para la muestra- pero mas que suficientes para ponernos los pelos de punta ante tanta maestría en cuanto a imagenes realistas se refiere..

Ron Mueck trabaja igualmente sus personajes tanto a pequeña, mediana como gran escala. Su pareja de amantes sentados bajo una sombrilla para cubrirse del sol, son un buen ejemplo de la extraordinaria sensibilidad y con que riguroso y delicadísimo tacto trabaja cada uno de sus figuras. Podemos sentir cada poro de la piel, una serenidad latente en sus flacidos y ya casi marchitos cuerpos de avanzada edad, y sin embargo siendo figuras de gran envergadura, casi gigantes, nos trasmiten una gran dosis de fragilidad y ternura.





No menos interesante por ser de menor tamaño son el resto de las obras, entre las que destacaría "women with shopping bags" portando en su regazo un bebe, de sus brazos penden dos bolsas repletas de la compra diaria, una mundanidad terrorífica que nos adentra en un mundo insólito y que tiene multiples lecturas. Esta figura no llega al metro de estatura, pero los rasgos y actitud de la mujer son tan veraces que ante nuestra mirada se hace grandiosa, y asi podriamos decir de cada una de las obras de Mueck. 








Los visitantes ante la obra de Mueck se sienten inseguros y sin saber ni esperar que se puede encontrar en cada esquina de la galería. Es común ver a el circunstante mantener la vista quieta contemplando estas esculturas y siendo partícipes de la gran destreza de Mueck al fabricar y recrear piel, pelo, ojos o dientes. Realizadas en arcilla y resinas, una vez finalizadas estas versiones de humanos - mas que simples esculturas-, nos permiten casi degustar sus flácidos pliegues de la piel, los poros de cada cabello y los palpables brillos del sudor.


My first contact with one of the characters created by Müeck was in Melbourne at the NVG. When someone pays the entrance fee, a scantly clad gentleman is in your face, not very tall in stature and aesthetically ugly. His quantity of hair, to put it subtly, invaded practically all his body and a prominent belly points out to the horizon, perhaps by more of one excess in life, it wouldn't be pleasant or appetizing at first sight. Curiously,one is beside him and if you look at him a glance, this figure seems to come to life and little by little I see him less hostile, until almost find him certain empathy. And is that faced with such sate of reality, o better said above-reality, at the end one has not choice but to accept him not as inert and lifeless, but as someone who is willing to engage in a conversation and get involved in  his history of life.



This strange feeling of connection with these unique sculptures happened to me again in the Cartier foundation in Paris, where currently it being held an exhibition of the Australian artist. The display, consist of no more than nine oeuvres, six of recent manufacture and three produced specially for the event, but more than enough to raise the hairs of your neck of before such mastery in terms of realistic images.



Ron MÜeck works equally their characters both to small, medium and large scale, His pairs of lovers sitting under a umbrella to cover the sun, is a good example of the extraordinary sensitivity and with that rigorous and very delicate touch works each of his figures, we can feel each pore of the skin, a latent serenity in their flabby and already almost withered bodies of advanced age, and yet still large figures almost giants transmit us a large dose of fragility and tenderness.



No less interesting by its smaller size are the rest of the works, among I would highlight 2Women with shopping bags" carrying in her lap a baby; her arms hanging two bags full of the daily shopping, a terrific worldliness that take us into a insolite world with multiple readings. this figure is not even a meter tall, but the traits and attitude of woman is so truthful that before our eyes become grandiose. And so we can say of everyone of Mueck's works.



The visitors before the work of Müeck feel insecure and without knowing or expecting that can be found in every corner of the gallery. It is common to the visitor maintain the view still contemplating these sculptures and being partakers of the great skill of Australian artist to manufacture and recreate every small part of the human body. Made of clay and resin frames, once completed therese versions of humans - more than simply sculptures-, we allow almost taste their flabby skin folds, the pores of the hair or the tangible sheens of sweat.

Cuentos chinos, Maria Gnecco

Maria Gnecco

Si nos atenemos a la definición de Cuento chino como “embuste, mentira disfrazada con artificio”, es exactamente lo que la artista visual bonaerense ha querido reflejar en su ultima serie fotográfica bajo el nombre de “Cuentos chinos” (historias para no dormir).

Un mundo complicado inmerso en paisajes de flores, entre las que nos encontramos toda clase de personajes muy familiares para aquellos que nacimos en la década de los 60. Pinocho, La familia Ingells, la sirenita, cabezas de barbies, marineros… no sólo son referente para María Gnecco, sino que pertenecen al ideario colectivo e individual de nuestra infancia. Muchos de estos pequeños personajes hacen referencia y se presentan solapados bajo su identidad aludiendo a actitudes y momentos de la vida de la propia artista. Otros sin embargo representan su propia idiosincrasia, de ahí que el papel de Pinocho, tal vez el personaje más repetido directamente nos lleva hasta una de las premisas para la artista, la mentira, el embuste.

Cuentos chinos tienen una original puesta en escena que nos remite rápidamente a  las naturalezas muertas de los siglos XVII y XVIII, cierto coqueteo con la pintura tenebrista barroca por el extraordinario uso de la luz y las sombras, de esta forma haciendo destacar y/o escondiendo significantes y significados. No podemos por lo tanto simplificar y hacer una mala definición de la obra de María Gnecco. Visualmente son imágenes impresas, pero tras ellas existe un arduo trabajo que va mucho más allá de la fotografía. El resultado brutalmente visual e impactante se convierte en divertidas instalaciones, a modo de performances de objetos que cobran vida, pequeñas obras de teatro – con una estética muy  cercana al Kitsch- congeladas para el espectador en un instante que se convierten en una forma de provocarnos y hacernos meditar sobre muchos asuntos de la vida. 

Gnecco es una artista que su modus operandi de trabajo lo hace a partir de ideas ,  sentimientos, valiéndose de referentes de su infancia, apropiándose  en cierta forma de estos iconos visuales, convirtiendo sus piezas acabadas en historias inacabadas a la espera de seguir contando cuentos. Esta ingenuidad que en un principio trasmiten y emanan sus obras me remiten a otros artistas como son  los hermanos ingleses Jake y Dinos Chapman, cuyas obras desafían siempre a cualquier convicción moral ó en el caso de España Carlos Pazos, un artista que en algunas de sus composiciones utiliza la fotografía  y a través de las metáforas alude a su infancia y se vale de personajes de su niñez como es el caso de Mickey Mouse. Y cómo no mencionar a la fotógrafa estadounidense Diana Thorneycroft, que al igual que los anteriores utiliza la ironía, el humor y se aprovecha de estos “pequeñas figuras” para denunciar ciertos injusticias a la sociedad de hoy en día. Otros artistas como Jeff Koons que crea sus propios juguetes, siendo en su caso normalmente a gran escala son de nuevo referencia continua a la niñez, incorporándolos en su trabajo y llegando a ser utilizados como juguetes enormes por el mismo.

María Gnecco, me atrevería a catalogarla como algo mas que una artista visual, ella en sí misma se convierte en personaje que se desnuda para compartir lo más profundo de su ser. Siguiendo sus propias palabras, “cada fotografía cuenta una historia que tiene mucho que ver con las mentiras, las desilusiones, los fracasos, el engaño” de esta manera va creando su propio universo de forma que el espectador entre de tal manera en la obra que se convierta en su propia mentira y rememore sus propios embustes. Historias dulces, amargas, pero impresionantemente deliciosas.