Botticcelli. La Primavera y Venus en el siglo XXI

 















 
Rebirth of Venus. David La Chapelle (2009)





Hay imágenes en nuestra retina que las tenemos inmersas dentro de nuestro imaginario colectivo. Están descifradas, descodificadas y forman parte de nuestra cultura general e individual desde que éramos pequeños. Este es el caso de La consagración de la Primavera y el Nacimiento de Venus, ambas del artista italiano Botticelli. La belleza idealizada, serena, sutil, suave tan del gusto y acorde con el pensamiento neoplatonico han ejercido y siguen ejerciendo un influjo en muchos artistas que hayan hecho que estas dos piezas sigan siendo objeto de estudio y/ó como punto de partida para nuevas obras.















Alegoría de la Primavera (1482)  / Nacimiento de  Venus (1486)





Alexandro Filippino Botticelli desarrolló su talento en la Florencia de finales del siglo XV y comienzos del XVI. Fiel a los principios renacentistas, fue un pintor en su gran mayoría de temática religiosa, muchas de ellas Madonnas, influencia de varios de sus mentores como Filippo Lippi o Verrochio. Seguidor de las ideas de Savonarola, tal vez fue uno de los motivos que éste cayera en desgracia y arrastrara casi al olvido al maestro pintor tras su muerte y no fuera hasta la segunda mitad del siglo XIX que con la llegada de los pre-rafaelitas, capturarán del olvido al artista y comenzara el gran resurgimiento y renacer de su obra, la cual ha perdurado hasta nuestros días.

Edward Burne Jones. The Mill. 1870



Fue hacia 1848 cuando los  pre-rafaelitas o artistas conocidos   como la nueva Renasseinca, entre los que destacan Edward Burne-Jones, Dante  Gabrielle Rosetti ó Millais, reavivaron toda su obra pictórica e hicieron  que la figura de Botticelli, así como su imagen de Venus o de la Primavera comenzara a ser parte de nuestro imaginario colectivo de grandes figuras de la historia del arte. Los pre-rafaelitas que buscaban aquellas imágenes anteriores a Rafael, sobre todo góticas, las dieron una vuelta de tuerca,dotándo á éstas de un mayor punto de ensoñación y cierta atmósfera etérea que los originales. A partir de entonces la figura de Botticelli volvió a nacer del olvido y hasta hoy en dia somos testigos de infinidad de Venus y alegorías de la primavera en acuarela, fotografía, dibujo, óleo, video, etc.. 

William-Adolphe Bouguereau, 1879 - Magritte. La Primavera 

Paralelamente a los pre-rafaelitas coetáneos en el tiempo existieron  otro tipo de artistas más de corte clásico ó académico que más que a partir de las imágenes de Botticelli, lo que hacían eran puras versiones, como es el caso de  “El nacimiento de Venus” del pintor francés, William-Adolphe Bouguereau, ó el pintor de historia por excelencia Gerome,  claros exponente del academicismo francés de la segunda mitad del siglo XX. Otro caso es el de la artista norteamericana.

Paul Himmer. Botticelli girl (1950) - Venus Yin Xin (2008)

Con el siglo XX y las vanguardias se produce un giro importante 

en cuanto a la concepción y relaciones autor-obra,obra-insitucion, instituciones-autor. Es Duchamp cuando en 1929 da otro valor a un simple urinario cuando en una Galería de Paris lo presenta    como La fuente. A partir de ahí se producirá una revolución en el arte. Posteriormente y ya a mediados de los 80 del siglo XX 

aparece el Apropicionismo. 

Como todo movimiento artístico, el apropiacionismo tiene sus     causas en el momento histórico. La intención del arte apropiacionista, influenciado por las teorías posmodernas, se sumaba a las  líneas de resistencia a las formas de poder. Así pues, a través  del desplazamiento y la sustitución,  desmitifica y evidencia loscontenidos de los sistemas de conocimiento(museos e instituciones) y de la tradición histórica. El objetivo del que nace, entonces, es  terminar con la relación tradicional y distanciada bajo la que se apoya todo un sistema ideológico basado en el pasado, no  sólo a nivel estético, sino también a nivel ético y político.
Así  la apropiación  cuestiona varios puntos: la genialidad, la  autoría, la creación, la perennidad y la originalidad.No obstante,  la sociedad de consumo sigue cultivando fuertemente el peso político y económico que implica la noción de “obra de arte”, tratando de no perder la influencia de la figura del autor y del “aura tradicional” o “lo auténtico”, basándose en la tradición humanista histórica donde el sujeto/artista es el genio creador.






Jeff Koons. Lady Gaga as Venus
Por lo tanto la apropiación  cuestiona varios puntos: la genialidad,
la autoría, la creación, la perennidad y la originalidad y convierten una imagen, idea, obra como punto de partida para traernos otro/os mensajes.

Dante Gabriele Rossetti,  Brueguel II, Edward Burne-Jones, René Magritte, Elsa Schiaparelli, Andy Warhol, Bill Viola, Gustave Moureau, David La Chapelle, Yin Xin, Paul HImmel, Tomoko Nagao son algunos ejemplos de artistas que han versionado, imitado, apropiado y amado las imagenes de Botticelli y han hechos trabajos que merecen tanto o más la atención del nuevo espectador del siglo XXI.

Tromarama

TROMARAMA

Cada vez mas las propuestas  artísticas invaden el campo de las llamadas ultimas tecnologías. Hasta casi las ultimas décadas del sigo XX el artista plástico  que se preciase de llamarse así tenia claro, o por lo menos para los que los catalogaran de artista, que su formación en mayor o menor medida era vía los conductos tradicionales de las academias de arte. Aunque posteriormente y debido a la gran revolución digital entraran a formar parte del objeto artístico ordenadores, videos, monitores tv y cual cualquier display tecnológico que estuviera en el mercado.

En el caso de Tromarama es diferente. Su formación académica discurrió en el campo de las nuevas tecnologías y el diseño. TROMARAMA es un colectivo Indonesio formado por tres jóvenes egresados de la Universidad de Tecnología de Bandung . Febie Babyrose, Herbert Hans Maruli and Ruddy Hatumena comenzaron a trabajar juntos en 2008 para un proyecto de realización  de un video-clip. En ese momento ya se dieron cuenta de las grandes posibilidades creativas que les brindaba su grandes conocimientos en diseño, printmaking y video.  Pronto se dieron cuenta que su mayor problema era la coordinación entre lo visual y el audio para sus videos. 

 

Unbelievable Beliefs, stop motion animation with fabric, 2 min 57 sec, 2012,

Creatividad a raudales, horas y horas de investigación han hecho que durante casi la ultima década sus trabajos en video se hayan convertido en referente artístico en su país a la hora de abordar las tecnologías. Obras como Unbeliable Beliefs Refleja y muestra el paso del tiempo, las barreras ideológicas, la migración, los movimientos de globalización . La mayoría de sus obras están realizadas bajo el sistema de slow  motion (animación irreal de objetos) , a partir de esta técnica ya inventada en 194 por el austriaco August Musger, entonces conocida como cámara lenta y que posteriormente fue utilizada para  sobretodo para la realización de dibujos animados, El colectivo indonesio en este uso de lo conocido como revival vintage, le han dado una vuelta de tuerca a sus composiciones animadas pero no perdiendo ese punto infantil e incluso obsoleto. Tromarama trabajan desde la sencillez para mostrarnos temas mucho mas complejos conceptualmente. Un ejemplo de ello es The Charade, maletas de sinfín de formas, colores y tamaños adquieren personalidad, en un movimiento convulso van y vienen, adquiriendo una importancia más allá del puro objeto, aludiendo a los movimientos de personas cada vez mayores que hay en el mundo. 

En general Tromarama a través de sus video instalaciones hacen ó quieren hacer una reflexión sobre como las tecnologías y todas sus ramas digitales afectan al propio artista y su imagen. Sus trabajos tienen mucho de sociológico, siendo los integrantes adictos a las cadenas sociales como Instagram, (les permite subir videos de 3 segundos con una rapidez inmediata) ó Youtube. Su impacto en las mismas son el detonante para futuros trabajos. Teteras que se mueven, botones de mil formas y colores que adquieren vida humana, lámparas, zapatos que suben y bajan escaleras están a medio camino entre la niñez y el mundo adulto. Como espectador hacen que entres en un juego animado pero cuyo trasfondo es mucho mas que un simple juego: identidad, materialismo, consumismo.

 

The Charade, stop motion animation with suitcases, 2014

Pegasus. Susana Ferran Vila

 Susana Ferran Vila

En estos momentos de saturación de imágenes por doquier, de cierta, mejor dicho rotunda desensibilización y abuso de la cultura visual que está dominando nuestras vidas, nos impela a no pararnos un momento y analizar toda aquella información que recibimos por nuestras retinas, es de agradecer, y mucho,  el encontrarte con un artista que en sus deseos innatos de la vida estén el trabajo realizado con calma, con cariño, con un magnifico uso del "largo tempo", como si fuera una sinfonía, y nunca determinado por agentes externos que mal encaminan  los propósitos de su intelecto, y dedique su capacidad intelectual para buscar caminos creativos pero también para deleite del espectador.

Esto es lo que ocurre con la serie Pegasus de la fotógrafa andorrana Susana Ferrán Vila. Una serie de diez fotografías encargadas en un primer momento para El Jumping international de Megeve.. La primera cuestión fue como abordar un tema, siendo como es su personalidad, no quería enfocarlo desde una perspectiva estética, ni como parte de un paisaje, de ahí que pusiera toda su imaginación y empeño a reflejar otra cara del mundo ecuestre.

  

Desde un primer momento tuvo claro que quería mostrar una imagen diferente,; el mundo del caballo no era ni especialmente conocido por ella, ni tampoco muy de su devoción, teniendo en cuenta que su propia experiencia con los mismos no era algo que quisiera recordar, - una mala caída cuando era pequeña, la abstrajo durante unos años de los mismos-, pero esta oportunidad la llevó a reflexionar y a investigar acerca del mundo equino. Para ello, dedicó un año a observar, estudiar y fotografiar una serie de caballos en su tierra natal, Andorra. Poco a poco fue acercándose mas y mas hasta entrar en una total comunión con ellos y de ahí nació esta magnifica serie de diez fotografías. Todas realizadas en Diasec, impresión muy de moda en todas las ferias de arte que se precien, que aportan presencia, prestancia y elegancia a sus imágenes.

Fotografiar caballos, nos es algo en si moderno y actual, recordemos que uno de los primeros grandes fotógrafos  Mybridge a finales del S. XIX ya quiso mostrarnos como era el movimiento de los equinos y  su capacidad de visualizarlo en multitud de imágenes a modo de una película. Hasta hoy, por lo tanto, hemos sido testigos de diferentes visiones:, Tony Leonard – el gran fotógrafo americano especializado en carreras de caballos -, Kevin Sparrow, fotógrafo inglés – especialista en retratos ecuestres de las dos ultimas décadas del siglo XX en Europa y sobre todo Inglaterra.. Ambos más dirigidos a un tipo de fotografía documental.  Wojtek  Kwiatkowski,  artista polaco especializado sobre todo en las razas árabes, pero al contrario de los anteriores más enfocado en la fotografía artística. Todos ellos de una forma  u de otra han reflejado y reflejan  la esencia y la belleza animal, pero siempre formando un todo, un conjunto, fondo y forman están en perfecta comunión.

¿Qué aporta de nuevo entonces el trabajo de Susana Ferrán? La

artista andorrana trabaja partiendo de una idea en concreto, es pues, entonces su trabajo mucho más conceptual, independientemente de si la figura del caballo es bella o no, ahonda y se adentra en el interior de ella misma y a partir de ahí es cuando comienza su conexión con el caballo; el resultado es de una belleza extraordinaria, con imágenes sutiles, elegantes, agresivas incluso,  que nos acercan a un universo nuevo de texturas y colores, todas realizados con el máximo cuidado.  La mejor herramienta que utiliza para sus propósitos es la fragmentación del cuerpo, la imagen fotográfica adquiere cuerpo en sí misma y un nuevo sentido, no se trata pues de dar movimiento a un ser viviente, sino de abstraerlo y abstraerse del mismo, consiguiendo una discontinuidad y arbitrariedad, es como si nos alejáramos de la realidad, convirtiéndose en sujetos ilusorios que hablan con el espectador-

Ilusión estética, que no estática. Fragmentación que sin ser uno de sus propósitos nos conduce a un nuevo mundo de sensaciones que se hacen presentes en cada uno de nosotros y nos hace ver mucho más allá.

WEART

WEART

Si anteriormente hablé de la Feria SWAB , ahora le toca el turno a WEART. Tras la resaca de Swab, de nuevo me invitan a conocer y pasear por una Feria – ó así en un principio era lo que yo creía - más pequeñita y con todavía menos pretensiones que la anterior, así que sin más dilación una semana después me adentré a ver WEART y cual fue mi sorpresa al encontrarme una historia diferente, atrevida, simpática, inquieta y con mucho que decir.

La coqueta.

Para empezar, llego al espacio Transforma BCN, el lugar elegido para esta tercera edición de Weart, y me encuentro con una feria de arte independiente y lo más importante independizada valga la redundancia de tanto mainstream del arte contemporáneo. Es verdaderamente apreciable que fuera de los caminos y sendas habituales y de los recorridos que hay que seguir - claro está, cuando los llamados gurús del arte te lo permiten y abalan- para llegar a conocerte como artista y a /ó tu obra, aparezca ante la mirada sobre todo de un público en su mayoría no mayor de 30-40 años un ejemplo de trabajos realizados por jóvenes artistas que en su mayoría trabajan separadamente bajo el yugo o placer - según se mire- de una galería de arte.

Diva. Princess of life

¿Que diferencia a una feria de la otra? Si Swab es una feria de galeristas y enfocada para los coleccionistas, WEART es sin embargo un Festival de arte para artistas, siendo ellos y sus obras su principal objetivo, para el cual mejor espacio que Transforma BCN no podrían haber elegido, un lugar que te invita a reflexionar, a comentar, a discernir, a disfrutar, a compartir, a investigar y no a politizar sobre arte. Se trata de un colectivo que trabaja como bien dice su expresión por la colectividad en el arte y por crear una plataforma en la que el artista y/ó espectador encuentren un lugar para discernir a cerca de cualquier disciplina artística y sus derroteros.

Zems Live Painting

Fotografía, Dibujo, Ilustración, Escultura, Video-ARt, Pintura, performance o Street Art han sido los protagonistas del Festival. En esta ocasión el hilo conductor ha sido el EGO, llamemosle esa cosa que tenemos todos en alguna parte recóndita de nuestro cerebro y nuestra identidad y que muchas veces nos dificulta o nos impide vivir. Trasnforma un lugar casi inhóspito y un poco destartalado me ayuda a concentrarme más en el contenido. Gracias!! por fin es más importante el contenido que el continente!, ya vamos pareciendo más europeos, me parece que estoy recorriendo un espacio multidisciplinar de Berlin, Shangai o porque no, del Soho de New York, pero está en Barcelona, y aunque en un principio me parece que estoy un tanto des-ubicada, a medida que me voy perdiendo por el entramado y entresijos de Transforma y acompañada por la música de Djs en vivo y una barra que me ofrece una cerveza bien fresquita, me alejo de lo acostumbrados    que estamos a que guien tus pasos y en este caso ahí están las obras para su deleite, contemplación, aberración ó discusión, generándose conversaciones más allá del status de poder económico y político que en muchas ocasiones adquieren las obras, pero si te provocan reflexiones que la suerte en algunos casos es contar con sus propios proveedores, los llamados artistas, y poder discutir in situ sobre las mismas.

swab versus Weart

 

SWAB vs WEART

Hay veces que siento que Barcelona se está volviendo un tanto provinciana y que no encuentro - salvo en pequeñas y contadas excepciones -,"artísticamente" hablando situaciones , exposiciones, obras, aptitudes que me llenen de emoción y me hagan desarrollar y estimular mis sentidos, por eso ha sido muy grato para mi que en el espacio tan breve de 2 semanas se hayan realizado en 2 ferias de arte contemporáneo a nivel internacional, claro está cada una en su sitio y con unas premisas muy diferentes.

Jose Luis Serzo

Swab es una feria que poco a poco va dejando su niñez, con ésta se cumplen siete años consecutivos. Comenzó tímidamente, sin hacer daño, pero tampoco sin provocar grandes entusiasmos, ni ofrecer obras que destacasen por su novedad e imaginación. Sin embargo, utilizo el simil de las hormigas trabajadoras, para señalar como esta fería que parecía pasar inadvertida e insignificante se ha ido posicionando gracias a la labor de un trabajo bien hecho. La séptima edición de Swab ha contado con 61 galerías de 20 países, un total de 165 artistas. Aproximadamente, la mitad de las galerías participantes han sido nuevas, algo que ha venido repitiendose desde los inicios de Swab, ya que como ha reconocido su director, en cada edición "buscamos incorporar un alto porcentaje de galerías nuevas (cercano al 50%) para que con esta renovación se sorprenda". En la presente edición, además de las galerías españolas, han participado galeristas de Venezuela, Colombia, Reino Unido, EEUU, Alemania, Hungría, Rusia, Italia, Dinamarca, Francia, Bélgica, Argentina, India, China, Corea, Finlandia, Suiza, Irlanda y Grecia.

  Samuel Salcedo

Pero, que tiene Swab 2014 de diferente? Dentro de sus nuevos programas, hasta 6 programas diferentes que han presentado al público - Swab Solo, Swab Stairs, Two Hot to handle entre otros. Lo que le da consistencia e interés a Swab 2014, es precisamente su carácter intrínseco de fería pero muy direccionada para coleccionistas y mostrarnos arte emergente en toda regla, de hecho, los participantes tienen que cumplir la condición de haber nacido posterior a 1970. La mayoría de los artistas son primerizos, ya que otra de las premisas es no repetir artistas ni obras, lo cual es muy de agradecer, y además supone que la línea de los trabajos presentados no sólo tengan un denominador común, en cuanto a temática se refiere, sino que también sea obras realizadas en su mayoría en los últimos cinco años, que las diferencia de muchas otras ferias más encauzadas desde el punto de vista mercantil, sólo las ventas son significativas del éxito ó no de las mimas. En Swab por el contrario se trata de promocionar un coleccionismo a nivel más local, ubicada en Barcelona, pero con la ventaja de conocer a artistas venidos de países muy diferentes. Otro punto a destacar comparado con otras ferias de arte es el precio de las obras, cuyo máximo valor será de 50.000 €.

OLEK

Identidad, mirada interior e introspectiva ha sido la propuesta más común en muchos de las obras expuestas. Y curiosamente me ha invadido una mirada muy femenina, Olek, la artista polaca dentro del proyecto Too hot to handle  es presentada por la galería Jonatan Levine de New York, un trabajo minucioso hecho en croché – perteneciente a la serie Santa Ageda la Torera - que destila feminidad por todos los costados, algunos de ellos reproducidos en poster y también a la venta. La Galería Granville de Paris ha presentado a la artista plástica Anabelle Hulaut, que para esta ocasión ha presentado fotografías de la artista francesa de las que destaco su mundo absurdo interior perpetuado bajo una manta de objetos cotidianos y muy reconocibles que conforman metáforas sobre la vida y la naturaleza. Park Sohee, galerita y artista a su vez proveniente de Seul de la galería Jarb Art, con sus deliciosas cajas de manzanas nos lleva a los comienzos del arte conceptual, así como Park Woonwha de la misma galería nos propone unos collages llenos de poesía , sensualidad y dulzura como es el caso de “Bossa Catifa gravat”. Otras artistas con una mirada muy femenina sería Carina Linge de la galería Jamursherk de Berlin ó Adriana Minoliti de Bahia blanca con sus fotografías collages con un punto muy dadaísta que rememoran los primeros trabajos de Hannah Hoch.

Carina Linge

 No menos interesante ha sido la sección dedicada al dibujo y grabados en el que destaco el trabajo del artista Jose Luis Serzo de la galería Kirk Royal de Valencia., “ajo” y “juego de ajos” son dignos de una mirada mas atenta y minuciosa. Pero ha sido Samuel Salcedo de la galería 3 punts de Barcelona el que con sus pequeñas figuras realizadas en resina de poliuretano policromadas, que en cierta medida me han hecho recordar a mi adorado Ron Mueck, son trabajos llenos de inmensa ironía para el placer no sólo estético sino que conllevan una provocación constante y continua hacia el espectador.

Es por lo tanto una feria que no tiene a mi parecer grandes pretensiones – más allá del hecho de convertir a Barcelona como un lugar en el que también tiene su propia feria de arte contemporáneo-  y que como estamos acostumbrados es un poco mas de lo mismo, pintura, dibujo, escultura, poco arte-objeto e instalaciones y creo recordar solamente un video-art., pero no por ello su contenido ha sido de baja calidad, sino todo lo contrario, demuestra que los artistas de hoy en día trabajan y es de agradecer que algunos sean ajenos a los propósitos de crear con el objetivo de que localmente exista un ¿nuevo-coleccionismo? Que parece preocuparle tanto a los gurús del arte contemporáneo en Barcelona.