lunes, 4 de noviembre de 2013

Juanra Garcia, Batallion of execution

Juanra Garcia

Carlos IV's family


The family of Charles IV, as we know them, masterfully depicted by Goya in 1800 represents the height of the spanish bourgeoisie, the royal family, in a convulsive time for spain in the early nineteen century. This brutally shocking image by the whole history that carries in itself, after more than 200 years serving as a reference to the photographer Juanra Garcia, which deals the painting of the "aragones" genius from the more impertinent and transgressive aspect approaches all senses. 




Iconographically speaking Carlos IV 's family has been the subject of multiple studies about the desires, wills and longing from each of the members of this unique family. Juanra Garcia comes to the painting and threshes in a series consisting of fourteen extraordinary photos. His work is more a iconological study than iconographic, putting in jeopardy the values of the bourgeoisie and the family as we have never seen it before.




Through images, we are entering in a world without qualm or false truths, the protagonists are divesting themselves of the clothes little by little and with it any prejudice established in regard to the family system. If it is true that each of the components of the group maintains that gaze and pose both hieratic and cold that we sensed in Goya's painting, in this case actually become challenging. the use of various costumes and items, which are not mere objects, being the way as the photographer treats them become symbols that acquire a vital importance by giving to the work of glamour, warmth or vividness, shaping a group of "tableau vivant" waiting to start  to move and revealing some hiding secret to us.

Is it therefore a deconstructions of family? Nowadays, have we other family values? the artist  indirectly poses these questions  to a restless spectator eager to see what will become....


Juanra Garcia. La familia de Carlos IV


La familia de Carlos IV, tal y como la conocemos magistralmente representada por Goya en 1800 representa el maximo de la burguesia española, la familia real, en un momento convlso para la España de principios del siglo XIX. Esta imagen brutalmente impactante, por toda la historia que conlleva en si misma, tras mas de 200 años sirve de referente para el fotografo Juanra Garcia, que aborda la pintura del genio aragones desde la vertiente mas impertinente y trasgresora en todos los sentidos.
Iconograficamente la familia de Carlos IV ha sido motivo de multiples estudios acerca de las voluntades , deseos y anhelos de cada uno de los integrantes de esta singular familia. Juanra garcia se acerca a la pintura y la desgrana en una serie compuesta por 14 extraordinarias fotografias, su trabajo es mas un estudio iconológico que iconografico, poniendo en jaque los valores de la burguesia y de la familia tal y como nos ha llegado hasta ahora.
A traves de las imagenes, nos adentramos en un mundo sin tapujos ni falsas verdades, los protagonistas van despojandose de la ropa poco a poco y con ello de cualquier prejuicio establecido en cuanto a el sistema familiar. Si es verdad que cada uno de los componentes del grupo mantiene esa mirada y pose un tanto hieratica y fría que ya percibíamos en la pintura de Goya, en este caso se convierten incluso en desafiantes. El uso de diversos ropajes y elementos, hace que no sean meros objetos, siendo la forma como los trata el fotografo se convierten en simbolos que adquieren una importancia vital donando a la obra de glamour, calidez, viveza.. Son 14 "tableau vivant" esperando a empezar a moverse y contarnos algun secreto escondido.

Es por lo tanto una destructuralicion de la familia? Tenemos hoy otros valores de familia?muchas de estas cuestiones nos las pregunda indirectamente el artista a un espectador inquieto de ver que ocurre finalmente.

sábado, 7 de septiembre de 2013

Aernout Mik


This summer Stedelik Amsterdam has focused its temporary exhibition in the Dutch artist Aernout Mik .. His training as a sculptor and his high interest in architecture, make the exhibition to become a whole amalgam of videos that form and make an original architecture of the space. 13 video-installations that although each individual acquires and donates his "modus vivendi", to go and see the gallery in all its extension generates a common dimension to all of them.

It is precisely under the name of "communitas" where we can find the work of Mik made ​​in the last decade. As usual, the Dutch artist talks and tells the psychological and social state of society today. The crisis, economic recession, coexistence or failing the "bad coexist


Arnout MIk based part of their Works on the principle of found footage, and more precisely on the recuperation of press photos — and works that are wholly staged, such as Schoolyard (2009), Osmosis and Excess (2005), Park (2002), and Middlemen (2001). These pieces reflect different forms of violence, aggression and tension, and show the diversity of forms of behaviour: gatherings, clashes, rituals and collective obsessions. Shot in Italy, Mik’s latest installation, Shifting Sitting (2010–11), continues his long-standing exploration of the different forms of democracy in Europe.






In Schoolyard 2 video screen show us a dutch high school, where the emotions, tensions and rituals of the emerging dutch society are played out. Young people of various cultural and ethnic backgrounds: dutch, turkish, moroccan and surinamase. Different images are melted, rioting in the suburbs of major cities, public funerals in Ismalic countries or Intifada palestinian. Students, mothers, teachers show us all these virulent and aggressive cross-cultural situations.

Osmosis and Excess impresses you by being a giant and horizontal screen hanging from the ceiling. We observe quantities of medicines that putting together become decorative towers that encourage us to consume. Snuff, hygiene products and medicines all evoke a world of purity and rationality contrasting with a dark floor and worn as well as products open and scattered on the floor. This landscape becomes a quagmire that drag you to a car cemetery. Tijuana and San Diego, two spaces, two cultures, two worlds disconnected but interwoven.


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Middlemen, explore the behaviour of a collective in a moment of catasthrope. Scene- stock market in the midst of a crash. All scattered on the floor. Mick creates a choreography of the crisis of capitalism. We are facing a chaotic situation, the agents move as brokers, pointing in his block and look to a display of values. 

Comunitas, Mik's Works are video are performance, are architecture, are document are reality overlapping of fiction. The space in which they are immersed his works are carefully studied and programmed by the artist, and in this way not only the work has an implicit content, but by the look of the spectator completes it with explicit information.

lunes, 1 de julio de 2013


Ron Mueck

Mi primer contacto en directo con uno de los personajes creados por Mueck fue en Melbourne, en la NGV. Cuando uno se dispone a pagar la entrada se topa de narices con un señor en paños menores no muy alto de estatura y esteticamente feo , su cantidad de vello por decirlo sutilmente,innvadía practicamente todo su cuerpo y una barriga prominente hacia el horizonte de tal vez por mas de un exceso en la vida , no nos resultaría agradable ni apetecible a primera vista. Curiosamente uno esta a su vera y si le miras de reojo, esta figura parece cobrar vida y poco a poco me va pareciendo menos hostil, hasta casi encontrarle cierta simpatía. Y es que ante tal derroche de realidad, o mejor dicho supra realidad, al final uno no tiene mas remedio que aceptarle no como un ser inerte y sin vida, sino como alguien que esta dispuesto a entablar una conversación y hacerte partícipe de su historia y de su vida.

Esta extraña sensacion de conectar con estas singulares esculturas me ha sucedido de nuevo en la Fundation Cartier de Paris donde actualmente se celebra una exposición del artista australiano. No mas de nueve obras consta la muestra, - seis de reciente manufactura y tres producidas especialmente para la muestra- pero mas que suficientes para ponernos los pelos de punta ante tanta maestría en cuanto a imagenes realistas se refiere..
Ron Mueck trabaja igualmente sus personajes tanto a pequeña, mediana como gran escala. Su pareja de amantes sentados bajo una sombrilla para cubrirse del sol, son un buen ejemplo de la extraordinaria sensibilidad y con que riguroso y delicadísimo tacto trabaja cada uno de sus figuras. Podemos sentir cada poro de la piel, una serenidad latente en sus flacidos y ya casi marchitos cuerpos de avanzada edad, y sin embargo siendo figuras de gran envergadura, casi gigantes, nos trasmiten una gran dosis de fragilidad y ternura.
No menos interesante por ser de menor tamaño son el resto de las obras, entre las que destacaría "women with shopping bags" portando en su regazo un bebe, de sus brazos penden dos bolsas repletas de la compra diaria, una mundanidad terrorífica que nos adentra en un mundo insólito y que tiene multiples lecturas. Esta figura no llega al metro de estatura, pero los rasgos y actitud de la mujer son tan veraces que ante nuestra mirada se hace grandiosa, y asi podriamos decir de cada una de las obras de Mueck. 
Los visitantes ante la obra de Mueck se sienten inseguros y sin saber ni esperar que se puede encontrar en cada esquina de la galería. Es común ver a el circunstante mantener la vista quieta contemplando estas esculturas y siendo partícipes de la gran destreza de Mueck al fabricar y recrear piel, pelo, ojos o dientes. Realizadas en arcilla y resinas, una vez finalizadas estas versiones de humanos - mas que simples esculturas-, nos permiten casi degustar sus flácidos pliegues de la piel, los poros de cada cabello y los palpables brillos del sudor.
My first contact with one of the characters created by Müeck was in Melbourne at the NVG. When someone pays the entrance fee, a scantly clad gentleman is in your face, not very tall in stature and aesthetically ugly. His quantity of hair, to put it subtly, invaded practically all his body and a prominent belly points out to the horizon, perhaps by more of one excess in life, it wouldn't be pleasant or appetizing at first sight. Curiously,one is beside him and if you look at him a glance, this figure seems to come to life and little by little I see him less hostile, until almost find him certain empathy. And is that faced with such sate of reality, o better said above-reality, at the end one has not choice but to accept him not as inert and lifeless, but as someone who is willing to engage in a conversation and get involved in  his history of life.
This strange feeling of connection with these unique sculptures happened to me again in the Cartier foundation in Paris, where currently it being held an exhibition of the Australian artist. The display, consist of no more than nine oeuvres, six of recent manufacture and three produced specially for the event, but more than enough to raise the hairs of your neck of before such mastery in terms of realistic images.
Ron MÜeck works equally their characters both to small, medium and large scale, His pairs of lovers sitting under a umbrella to cover the sun, is a good example of the extraordinary sensitivity and with that rigorous and very delicate touch works each of his figures, we can feel each pore of the skin, a latent serenity in their flabby and already almost withered bodies of advanced age, and yet still large figures almost giants transmit us a large dose of fragility and tenderness.
No less interesting by its smaller size are the rest of the works, among I would highlight 2Women with shopping bags" carrying in her lap a baby; her arms hanging two bags full of the daily shopping, a terrific worldliness that take us into a insolite world with multiple readings. this figure is not even a meter tall, but the traits and attitude of woman is so truthful that before our eyes become grandiose. And so we can say of everyone of Mueck's works.
The visitors before the work of Müeck feel insecure and without knowing or expecting that can be found in every corner of the gallery. It is common to the visitor maintain the view still contemplating these sculptures and being partakers of the great skill of Australian artist to manufacture and recreate every small part of the human body. Made of clay and resin frames, once completed therese versions of humans - more than simply sculptures-, we allow almost taste their flabby skin folds, the pores of the hair or the tangible sheens of sweat.

martes, 11 de junio de 2013

Cuentos chinos, Maria Gnecco



Maria Gnecco

Si nos atenemos a la definición de Cuento chino como “embuste, mentira disfrazada con artificio”, es exactamente lo que la artista visual bonaerense ha querido reflejar en su ultima serie fotográfica bajo el nombre de “Cuentos chinos” (historias para no dormir).

Un mundo complicado inmerso en paisajes de flores, entre las que nos encontramos toda clase de personajes muy familiares para aquellos que nacimos en la década de los 60. Pinocho, La familia Ingells, la sirenita, cabezas de barbies, marineros… no sólo son referente para María Gnecco, sino que pertenecen al ideario colectivo e individual de nuestra infancia. Muchos de estos pequeños personajes hacen referencia y se presentan solapados bajo su identidad aludiendo a actitudes y momentos de la vida de la propia artista. Otros sin embargo representan su propia idiosincrasia, de ahí que el papel de Pinocho, tal vez el personaje más repetido directamente nos lleva hasta una de las premisas para la artista, la mentira, el embuste.


Cuentos chinos tienen una original puesta en escena que nos remite rápidamente a  las naturalezas muertas de los siglos XVII y XVIII, cierto coqueteo con la pintura tenebrista barroca por el extraordinario uso de la luz y las sombras, de esta forma haciendo destacar y/o escondiendo significantes y significados. No podemos por lo tanto simplificar y hacer una mala definición de la obra de María Gnecco. Visualmente son imágenes impresas, pero tras ellas existe un arduo trabajo que va mucho más allá de la fotografía. El resultado brutalmente visual e impactante se convierte en divertidas instalaciones, a modo de performances de objetos que cobran vida, pequeñas obras de teatro – con una estética muy  cercana al Kitsch- congeladas para el espectador en un instante que se convierten en una forma de provocarnos y hacernos meditar sobre muchos asuntos de la vida. 

Gnecco es una artista que su modus operandi de trabajo lo hace a partir de ideas ,  sentimientos, valiéndose de referentes de su infancia, apropiándose  en cierta forma de estos iconos visuales, convirtiendo sus piezas acabadas en historias inacabadas a la espera de seguir contando cuentos. Esta ingenuidad que en un principio trasmiten y emanan sus obras me remiten a otros artistas como son  los hermanos ingleses Jake y Dinos Chapman, cuyas obras desafían siempre a cualquier convicción moral ó en el caso de España Carlos Pazos, un artista que en algunas de sus composiciones utiliza la fotografía  y a través de las metáforas alude a su infancia y se vale de personajes de su niñez como es el caso de Mickey Mouse. Y cómo no mencionar a la fotógrafa estadounidense Diana Thorneycroft, que al igual que los anteriores utiliza la ironía, el humor y se aprovecha de estos “pequeñas figuras” para denunciar ciertos injusticias a la sociedad de hoy en día. Otros artistas como Jeff Koons que crea sus propios juguetes, siendo en su caso normalmente a gran escala son de nuevo referencia continua a la niñez, incorporándolos en su trabajo y llegando a ser utilizados como juguetes enormes por el mismo.



María Gnecco, me atrevería a catalogarla como algo mas que una artista visual, ella en sí misma se convierte en personaje que se desnuda para compartir lo más profundo de su ser. Siguiendo sus propias palabras, “cada fotografía cuenta una historia que tiene mucho que ver con las mentiras, las desilusiones, los fracasos, el engaño” de esta manera va creando su propio universo de forma que el espectador entre de tal manera en la obra que se convierta en su propia mentira y rememore sus propios embustes. Historias dulces, amargas, pero impresionantemente deliciosas.





domingo, 12 de mayo de 2013

Introdans, Bont in Blauw

BONT EN BLAUW

Roel Voorinholt art director of Introdans together with Ton Wigger his general manager, once again have done a superb work full of delicate nuances. Introdans, as neoclassic and contemporary dance company have behind them more than 40 years, and this bakground is obvious on having put again at the head of a new spectacle, that don't let time neither for the boredom nor for the nonchalance. Curiously is very appropriated for children and young people, though in my opinion we are the grown ups those that we enjoyed as real baby.


Bont en Blauw (Blue Rainbow) is much more than dance; twelve young dancers shape this show in which they delight us with seven pieces, each one more interesting and surprising. The begin with "Crucible", piece of the north american choreographer Alwin Nikolais, being precisely the premiere for this spectacle. Game of hands and legs  that are reflected over mirrors, they are forming and shaping figures in which the light and the reflection of the same one on the bodies plays an important role. Continuously and of the same choreographer "Noumenon", "Two not yet together" and "Tensile involvement" maybe the last one the most striking because of the use of a elastic tapes that are merged close to the precious movement of the dancers and turn into a framework of agility, skill and harmony.


With "short circuit" of Jhon Meyers, two dancers in the scene, while one of them directs the steps across a computer in which abstract figures are appearing on a screen, the other dancer plays with these forms and exoteric lights. This play serve to show us the skill as a dancer of Aymeric Aude. To finish "Blue journey" from Dutch choreographer David Middendorp. If we thought that we had already seen everything, we were totally wrong. A video animation crosses the stage and the dancers cross the scene becoming accomplices and 
companions of the journey of their counterparts animated figures.



But the most interesting is that in Bont in Blauw, Introdans play with the viewer in an elegant and subtle way allowing us to share their extraordinary expressiveness. I would define them like a company that not only is a dance, since the form they use the body, I see them very close to the "body art". Introdans rely on for each of their works, as it comes being usually in their trajectory, of foreign objects or elements to the human body, as mirrors, benches, clothes, tapes or videos among others.

It is therefore, and art explosion, an authentic pleasure for all senses, thanks to the wise use of impeccable lighting and a very good selection of music, and of course by excellent dancers who take their aesthetic and artistic possibilities of their bodies to the maximum.


Bont in blauw


Roel Voorintholt director artístico de Introdans junto a Ton Wiggers su director general,  una vez mas nos deleitan con un trabajo soberbio y lleno de delicados matices. Introdans lleva a sus espaldas mas de 40 años como compañia de danza neo-clasica, contemporánea,  y este bagaje se nota al ponerse de nuevo al frente de un nuevo espectáculo que no deja tiempo ni para el aburrimiento ni para la indiferencia. Curiosamente esta muy indicado para niños y jóvenes, aunque a mi juicio somos los mayores los que disfrutamos como verdaderos enanos.

Bont en Blauw (arco iris azul) , es mucho más que danza,  12 jovenes bailarines conforman este show en el que nos deleitan con 7 piezas, a la cual mas interesante y sorprendente. Comienzan con "Crucible", pieza del coreografo nordamericano Alwin Nikolaïs que precisamente se ha estrenado para este espectáculo.  Juego de manos y piernas que se reflejan sobre unos espejos, van formando y conformando unas figuras en las que la luz y el reflejo de la misma sobre los cuerpos juega un papel importante. Seguidamente y del mismo coreógrafo Noumenon, two not yet together y Tensile Involvement, tal vez esta ultima la mas llamativa en cuanto al uso de unas cintas elasticas que se funden junto al precioso movimiento de los bailarines y convierten la pieza en un entramado de agilidad, destreza y armonia.  con , short circuit de Jhon Meyer,  2bailarines en el escenario, uno de ellos dirige los pasos a traves de un ordenador en el que van apareciendo figuras abstractas en una pantalla, un segundo bailarin juega con estas formas, con unas exotericas luces. Aymeric Aude demuestra su destreza como bailarín. Para finalizar, Blue Jouney, del coreografo holandes David Middendorp. Si pensabamos que ya lo habiamos visto todo, estabamos muy equivocados, un video de animacion recorre el escenario y unos bailarines atraviesan la escena haciendose cómplices y compañeros de viaje de sus homólogas figuras animadas.

Pero lo mas interesante es que Introdans en Bont en Bauw juegan con el espectador de una forma elegante y sutil haciendonos partícipes de su extraordinaria expresividad. Yo los definiria como una compañia que no solo es danza, ya que la forma en la que utilizan su cuerpo la veo muy cercana al body art.  Introdans se apoyan  para cada una de sus piezas  como viene siendo habitual en su trayectoria,  de objetos o elementos ajenos al cuerpo humano, sean espejos, bancos, cintas ó videos entre otros.

Es por lo tanto, una explosion de arte,  un autentico placer para todos los sentidos, gracias a la sabia utilizacion de unas impecables luces y una muy buena seleccion de la musica y como no de unos excelentes bailarines que llevan al maximo sus posibilidades esteticas y artísticas de su cuerpo.

Introdans se encuentran actualmente de gira por Holanda.





Bill Viola


Bill Viola, the return





Everything flows, everything changes,
Everything is born and dies,
Nothing stands still.
Everything is diluted,
that it has a beginning it has an end,
What is the born, dies,
and compounds discompose.







Everything flows, nothing stand still, is part of the thinking and ideas of philosophers such as Heraclitus or Parmenides, both from the pre-socratic school and studying the human phenomenon among VI-Vcenturies B.C. Just one hundred years after this premise would be followed by the teachings of Siddharta Gautami, commonly called Buda. And now again, almost at the end of XX century Bill Viola reflects this idea in his video-installations. The idea of impermanence, the passage of time is present in the work of the american artist.

Water, a constantly moving element that speaks to us about the pass of time, is used in many of his works. Viola through the use of performance and body art, converting his works in video-installations, in which he always interprets life and death in some way. and thus explain Viola's fixation by water, the idea of drowning, as a "metaphor of the wonderful world of suspension". This obsession haunts him from his childhood when he almost drowned,

"The return" is part of a Transfiguration series, in which he was involved between 2007-2008. "3 women", "the passing", "visitation" or "the return" have in common water, light and the catharsis of the passage from life to death. With an aesthetic that remind us of Renaissance scenes but within a zen look. His use of ultra-slow motion video encoring the viewer to sink into the image and connect deeply to the meaning contained within.

In "the return" Viola uses just shades of grey and intensive red, to define death and life simultaneously. Both colors are symbolic and refer to us to something more spiritual than earthly.


Todo fluye, todo cambia,
todo nace y muere,
nada permanece,
todo se diluye;
lo que tiene principio tiene fin,
lo nacido muere,
y lo compuesto se descompone.

Todo fluye nada permanece, es parte del pensamiento e ideario de filosofos como Heraclito ó Parménides, ambos de la escuel presocrática y que estudian el fenomeno  humano entre los siglos VI -V a.c. , tan solo 100 años despues es parte de lasenseñanzas de Siddharta Gautami,  comunmente llamado Buda.   unos siglos despues Bill Viola plasma esta idea en sus videointalaciones. la idea de transitoriedad, el paso del tiempo esta presente en la obra del artista  estadounidense.


El agua, elemento en continuo movimiento que nos habla del paso del tiempo, es utilizada en muchos de sus trabajos. Viola  atraves de la utilizacion de performance y body art con vierte sus obras en video-instalaciones en las cuales siempre interpreta la vida y la muerte de alguna manera. Y es así como se explica la fijación de Viola por el agua, la idea del ahogamiento como "una metáfora del maravilloso mundo de la suspensión". Obsesión que le persigue desde niño cuando estuvo a punto de ahogarse.

EL retorno es parte de la serie de videos Transfiguraciones que realizo Bill Viola en 2007-2008 . "3 mujeres", "the passing", "visitation" o "the return", Tienen todos en comun el agua, la luz, y la catarsis del paso de la vida a la muerte. Con una estetica que nos remite a escenas renacentistas bajo una mirada zen. El uso del video a cámara lenta alenta al espectador a sumergirse en la imagen y a conectar profundamente con los significados que contiene.
En el retorno viola solo utiliza una gama de grises y un intenso rojo para definir la muerte y la vida simultaneamente. Ambos colores son simbolicos y nos remiten a algo mas espiritual que terrenal.









domingo, 28 de abril de 2013

Rirkirt Tiravaninja


Rirkirt Tiravaninja

Siempre que entro en un nuevo espacio dedicado al arte, siento una emoción especial, y en esta ocasión ha sido realmente peculiar y diferente. Paseo por el NVG de Melbourne, cuando al entrar en una de sus salas advierto una mesa preparada con uno sencilla vajilla para 4 comensales. En un principio pasa inadvertida, pero tras acercarme me doy cuenta que esta precisamente así invitándote e incitándote a sentarte. No me atrevo a sentarme. Doy pequeños paseos sin perder de vista la mesa y espero a ver si algo ocurre. Efectivamente a los pocos minutos los cuatro lugares son ocupados sucesivamente por diferentes personas que no  se conocen entre sí.  Me acerco y puedo comprobar que ante mis ojos soy testigo de un “happening” . Simplemente observo y disfruto….

Rirkirt Tiravaninja – el autor de la obra-  ha convertido parte de la sala en un pequeño restaurante para degustar comida thai, de hecho es solo una mesa, en la que todo aquel que quiera puede sentarse y tener el placer de compartir junto a otros 3 comensales un menú de 4 platos que serán servidos por alguien del personal de la galería. Es sencillamente una experiencia en la que no solo estas contemplando una obra de arte, el comensal es y forma parte importante de la obra. De que se trata entonces? Una mesa puesta y preparada para comer se convierte en un espacio no solo de degustación de comida sino también lugar para compartir y conversar,  de la pasividad a la actividad.


En su obra "Pad Thai"de buena manera están contenidas parte de las palabras del crítico y curador francés Nicolas Bourriaud  acerca de su idea de arte relacional, y en este caso el autor de este Happening nos sirve como claro ejemplo de cómo establecer conexión entre obra-espectador.

No hay duda que en la mayor parte de las instalaciones de Tiravaninja nos habla de  relaciones sociales, interelaciones espaciales en las que uno de sus ingredientes favoritos, - aludiendo a sus instalaciones cuya temática suele partir de elementos culinarios-  son la gente siendo la participación por parte del espectador uno de sus máximos objetivos.  Para Tiravanijka la obra de arte se convierte en un acontecimiento para el visitante que no sólo debe ser algo irrepetible, en el que juega un papel importante la utopía y la simulación,  y cómo no un lenguaje en el que la duda esta y estará siempre presente.




Whenever I go into a new space dedicated to art, I feel a special thrill, and this time has been really quirky and different. Walking through the NVG Melbourne, when I come in at one of its romos, I warn a table ready with one simple crockery for 4 people. At first goes unnoticed, but after approaching there, I realize that this exactly thus inviting and inciting you to sit down. I dare not sit. I short walks without losing sight of the table and wait to see if something happens. Sure enough within minutes the four places are occupied successively by different people who do not know each other. I approach and I can verify that before  my eyes I am a witness of a "happening". Just watch and enjoy ....

Rirkirt Tiravaninja - the author of the work-has used part of the room in a small restaurant for tasting Thai food, in fact there is only a table, where anyone who wants can sit and have the pleasure to share with another 3 diners a menu of four dishes that will be served by a staff of the gallery. It is simplylly an experience that not only are contemplating a work of art, the diner is and important part of the work. What is it about then? A table set and ready for eating becomes a space not only for food tasting but also place to share and discuss, from passivity to activity. 

In his work "Pad Thai" in a good way are contained some of the critic and curator  words Nicolas Bourriaud about his idea of ​​relational art, and in this case the author of this Happening serves as a clear example of how to establish connection between work-spectator.

There is no doubt that in most facilities Tiravaninja speaks of social, spatial interrelationships in which one of his favorite ingredients - referring to its facilities whose themes often from culinary-are elements people being participation by the viewer one of its top goals. To Tiravanijka the artwork becomes an event for visitors not only be something unique, which plays an important role the simulation and uthopia, and how not, a language in which the question is and will always be present .