martes, 4 de noviembre de 2014

WEART


WEART

Si anteriormente hablé de la Feria SWAB , ahora le toca el turno a WEART. Tras la resaca de Swab, de nuevo me invitan a conocer y pasear por una Feria – ó así en un principio era lo que yo creía - más pequeñita y con todavía menos pretensiones que la anterior, así que sin más dilación una semana después me adentré a ver WEART y cual fue mi sorpresa al encontrarme una historia diferente, atrevida, simpática, inquieta y con mucho que decir.


La Coqueta
La coqueta.

Para empezar, llego al espacio Transforma BCN, el lugar elegido para esta tercera edición de Weart, y me encuentro con una feria de arte independiente y lo más importante independizada valga la redundancia de tanto mainstream del arte contemporáneo. Es verdaderamente apreciable que fuera de los caminos y sendas habituales y de los recorridos que hay que seguir - claro está, cuando los llamados gurús del arte te lo permiten y abalan- para llegar a conocerte como artista y a /ó tu obra, aparezca ante la mirada sobre todo de un público en su mayoría no mayor de 30-40 años un ejemplo de trabajos realizados por jóvenes artistas que en su mayoría trabajan separadamente bajo el yugo o placer - según se mire- de una galería de arte.

Diva-art
Diva. Princess of life

¿Que diferencia a una feria de la otra? Si Swab es una feria de galeristas y enfocada para los coleccionistas, WEART es sin embargo un Festival de arte para artistas, siendo ellos y sus obras su principal objetivo, para el cual mejor espacio que Transforma BCN no podrían haber elegido, un lugar que te invita a reflexionar, a comentar, a discernir, a disfrutar, a compartir, a investigar y no a politizar sobre arte. Se trata de un colectivo que trabaja como bien dice su expresión por la colectividad en el arte y por crear una plataforma en la que el artista y/ó espectador encuentren un lugar para discernir a cerca de cualquier disciplina artística y sus derroteros.

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Zems Live Painting


Fotografía, Dibujo, Ilustración, Escultura, Video-ARt, Pintura, performance o Street Art han sido los protagonistas del Festival. En esta ocasión el hilo conductor ha sido el EGO, llamemosle esa cosa que tenemos todos en alguna parte recóndita de nuestro cerebro y nuestra identidad y que muchas veces nos dificulta o nos impide vivir. Trasnforma un lugar casi inhóspito y un poco destartalado me ayuda a concentrarme más en el contenido. Gracias!! por fin es más importante el contenido que el continente!, ya vamos pareciendo más europeos, me parece que estoy recorriendo un espacio multidisciplinar de Berlin, Shangai o porque no, del Soho de New York, pero está en Barcelona, y aunque en un principio me parece que estoy un tanto des-ubicada, a medida que me voy perdiendo por el entramado y entresijos de Transforma y acompañada por la música de Djs en vivo y una barra que me ofrece una cerveza bien fresquita, me alejo de lo acostumbrados    que estamos a que guien tus pasos y en este caso ahí están las obras para su deleite, contemplación, aberración ó discusión, generándose conversaciones más allá del status de poder económico y político que en muchas ocasiones adquieren las obras, pero si te provocan reflexiones que la suerte en algunos casos es contar con sus propios proveedores, los llamados artistas, y poder discutir in situ sobre las mismas.


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miércoles, 22 de octubre de 2014

swab versus Weart

 

SWAB vs WEART

Hay veces que siento que Barcelona se está volviendo un tanto provinciana y que no encuentro - salvo en pequeñas y contadas excepciones -,"artísticamente" hablando situaciones , exposiciones, obras, aptitudes que me llenen de emoción y me hagan desarrollar y estimular mis sentidos, por eso ha sido muy grato para mi que en el espacio tan breve de 2 semanas se hayan realizado en 2 ferias de arte contemporáneo a nivel internacional, claro está cada una en su sitio y con unas premisas muy diferentes.


Jose Luis Serzo



Swab es una feria que poco a poco va dejando su niñez, con ésta se cumplen siete años consecutivos. Comenzó tímidamente, sin hacer daño, pero tampoco sin provocar grandes entusiasmos, ni ofrecer obras que destacasen por su novedad e imaginación. Sin embargo, utilizo el simil de las hormigas trabajadoras, para señalar como esta fería que parecía pasar inadvertida e insignificante se ha ido posicionando gracias a la labor de un trabajo bien hecho. La séptima edición de Swab ha contado con 61 galerías de 20 países, un total de 165 artistas. Aproximadamente, la mitad de las galerías participantes han sido nuevas, algo que ha venido repitiendose desde los inicios de Swab, ya que como ha reconocido su director, en cada edición "buscamos incorporar un alto porcentaje de galerías nuevas (cercano al 50%) para que con esta renovación se sorprenda". En la presente edición, además de las galerías españolas, han participado galeristas de Venezuela, Colombia, Reino Unido, EEUU, Alemania, Hungría, Rusia, Italia, Dinamarca, Francia, Bélgica, Argentina, India, China, Corea, Finlandia, Suiza, Irlanda y Grecia.


  Samuel Salcedo

Pero, que tiene Swab 2014 de diferente? Dentro de sus nuevos programas, hasta 6 programas diferentes que han presentado al público - Swab Solo, Swab Stairs, Two Hot to handle entre otros. Lo que le da consistencia e interés a Swab 2014, es precisamente su carácter intrínseco de fería pero muy direccionada para coleccionistas y mostrarnos arte emergente en toda regla, de hecho, los participantes tienen que cumplir la condición de haber nacido posterior a 1970. La mayoría de los artistas son primerizos, ya que otra de las premisas es no repetir artistas ni obras, lo cual es muy de agradecer, y además supone que la línea de los trabajos presentados no sólo tengan un denominador común, en cuanto a temática se refiere, sino que también sea obras realizadas en su mayoría en los últimos cinco años, que las diferencia de muchas otras ferias más encauzadas desde el punto de vista mercantil, sólo las ventas son significativas del éxito ó no de las mimas. En Swab por el contrario se trata de promocionar un coleccionismo a nivel más local, ubicada en Barcelona, pero con la ventaja de conocer a artistas venidos de países muy diferentes. Otro punto a destacar comparado con otras ferias de arte es el precio de las obras, cuyo máximo valor será de 50.000 €.


OLEK


Identidad, mirada interior e introspectiva ha sido la propuesta más común en muchos de las obras expuestas. Y curiosamente me ha invadido una mirada muy femenina, Olek, la artista polaca dentro del proyecto Too hot to handle  es presentada por la galería Jonatan Levine de New York, un trabajo minucioso hecho en croché – perteneciente a la serie Santa Ageda la Torera - que destila feminidad por todos los costados, algunos de ellos reproducidos en poster y también a la venta. La Galería Granville de Paris ha presentado a la artista plástica Anabelle Hulaut, que para esta ocasión ha presentado fotografías de la artista francesa de las que destaco su mundo absurdo interior perpetuado bajo una manta de objetos cotidianos y muy reconocibles que conforman metáforas sobre la vida y la naturaleza. Park Sohee, galerita y artista a su vez proveniente de Seul de la galería Jarb Art, con sus deliciosas cajas de manzanas nos lleva a los comienzos del arte conceptual, así como Park Woonwha de la misma galería nos propone unos collages llenos de poesía , sensualidad y dulzura como es el caso de “Bossa Catifa gravat”. Otras artistas con una mirada muy femenina sería Carina Linge de la galería Jamursherk de Berlin ó Adriana Minoliti de Bahia blanca con sus fotografías collages con un punto muy dadaísta que rememoran los primeros trabajos de Hannah Hoch.
 

                               Carina Linge


 No menos interesante ha sido la sección dedicada al dibujo y grabados en el que destaco el trabajo del artista Jose Luis Serzo de la galería Kirk Royal de Valencia., “ajo” y “juego de ajos” son dignos de una mirada mas atenta y minuciosa. Pero ha sido Samuel Salcedo de la galería 3 punts de Barcelona el que con sus pequeñas figuras realizadas en resina de poliuretano policromadas, que en cierta medida me han hecho recordar a mi adorado Ron Mueck, son trabajos llenos de inmensa ironía para el placer no sólo estético sino que conllevan una provocación constante y continua hacia el espectador.



Es por lo tanto una feria que no tiene a mi parecer grandes pretensiones – más allá del hecho de convertir a Barcelona como un lugar en el que también tiene su propia feria de arte contemporáneo-  y que como estamos acostumbrados es un poco mas de lo mismo, pintura, dibujo, escultura, poco arte-objeto e instalaciones y creo recordar solamente un video-art., pero no por ello su contenido ha sido de baja calidad, sino todo lo contrario, demuestra que los artistas de hoy en día trabajan y es de agradecer que algunos sean ajenos a los propósitos de crear con el objetivo de que localmente exista un ¿nuevo-coleccionismo? Que parece preocuparle tanto a los gurús del arte contemporáneo en Barcelona. 


viernes, 25 de abril de 2014

Bill Viola, Grand Palais 2014

Bill Viola - Grand Palais 2014
Cuando te enfrentas a una obra de Bill Viola, no sabes nunca que va a suceder entre los límites de la pantalla, simplemente hay que dejarse llevar y esperar que el tiempo transcurra; y eso es exactamente lo que el artista americano nos propone en cada uno de sus trabajos, sus creaciones o mejor dicho recreaciones, éstas nos hablan y proponen en su mayor medida un paseo sobre la longitud del tiempo, su transcurrir y como nos afecta éste paso del tiempo. Tiempo en toda su dimensión de la palabra, relantizado en muchos casos para que seamos testigos conscientes de su grandeza.
Tristan Ascension
Son ya más de 35 años que explora los caminos del video-arte y todas sus posibilidades. Trabaja sin igual no sólo el tiempo como he apuntado anteriormente, el espacio es otra de sus prioridades y como el ser humano se comporta en él. Para Viola el hombre como individuo pasa por la vida en su tránsito hacia la muerte y en ese devenir hacia la inmortalidad. Siguiendo propias palabras del artista así define su más reciente exposición en el Grand Palais de París, como “una suerte de viaje a través de la vida con el conocimiento de que no somos eternos”. La humanidad, elabora, se compone de tres vertientes: los que están por nacer, los que nos han dejado, ambos eternos, y los que estamos como suspendidos entre los dos, los vivos. “El tiempo es lo que hace posible mi vida”
La identidad, la individualidad, la inmortalidad, la vida, la muerte son sus constantes vitales en un espacio-tiempo que el define y utiliza a su antojo, los personajes casi siempre nos lo presenta de una forma bastante estática, con muy poco movimiento, pequeños gestos, sobre todo cuando el elemento principal es el agua, ésta como poderoso elemento en el que se sumergen y con el que Viola se siente particularmente cómodo, ya queda muy atrás su miedo a este elemento - siendo muy pequeño estuvo a punto de ahogarse-. El agua en Viola adquiere una mayor dimensión y poder actuando como filtro y paso de un estado natural a inmortal en algunos casos. "The Reflecting Pool" (1977-79), "Tristan Ascension" (2005), "Three Women" (2008) ó "The Dreamers" (2013) son claros ejemplos del agua como constante en su trayectoria artística. Agua que fluye, que está en continuo movimiento, hace que los cuerpos se sumergan en ella donándoles de una cierta paz y misterio, el agua como elemento es reflactario, con lo cual hace que se multipliquen e irradien una luz especial y espacial al mismo tiempo.
The Dreamers
Walking on the Edge (2012) ó the Encounter (2012) son de los pocos trabajos en los que trabaja en un escenario real, en este caso el Sahara es el elemento real en el que ó bien 2 hombres o bien 2 mujeres se encuentran o se separan en el mismo, convirtiendo el espacio físico en algo mas psicológico. 
Definiría sus obras de vídeo como puestas en escena con una gran dosis de teatralidad, algunas son auténticos set performativos como es el caso de Catherines's Room (2001) Going forth by (2002) , Fire Woman (2005), o Ascension (2000) entre otros . El resultado en cada una de sus obras es una experiencia estética-visual de primer orden, pinta y esculpe con sumo cuidado y mimo cada una de las imágenes, consiguiendo que cada video sea auténtica poesía visual, pero siempre cuestionándose cuestiones tales como quienes somos y a donde vamos…
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Catherine's Room

domingo, 6 de abril de 2014

Staging silence - Hans Op the Beeck

Hans op the  Beeck

La primera vez que tuve ocasión de contemplar una obra  de  el artista belga Hans op the Beeck fue con su video "Parade" (2012), en ésta nos hacía introducirnos en un mundo mágico, teatralizado, en el que el ser humano es parte integrante de ese escenario, convirtiendo tanto los momentos festivos como los trágicos en un gran desfile sobre la vida y la muerte. Acorde con la música los personajes  van desfilando por el escenario a ritmo de vals, en el que somos testigos del pasar y tránsito que es la vida. De nuevo me hallo ante un nuevo trabajo del artista, en esta ocasión el Museo de Arte Moderno de Arnhem le dedica tres salas con sus tres correspondientes video-installaciones.  Tres trabajos de su época más reciente de los que la primera nota a destacar y en común sobre todos ellos es su estética,  trabajos en blanco y negro y toda su extensa gama de grises - colores con los que el artista se siente muy cómodo- y que nos sumergen en un mundo interior de paz y sosiego que nos lleva a reflexionar sobre diferentes aspectos de la vida.

En "Staging Silence 2" (2013) la puesta en escena es totalmente contraria a "Parade". Ahora el espectador se sumerge en un frío y oscuro espacio en el que no hay atisbos de vida humana, pero si en cambio grandes y solitarios escenarios realizados a partir de cotidianos elementos como pueden ser azúcar o simples botellas de plástico, que para nosotros sólo le damos el sentido de meros continentes del preciado líquido.  Un trabajo de una fuerza estética tremenda que me remiten en cierta forma a las estampas japonesas, con esa elegancia de ambientes solitarios y profundos,  como es el caso de un pasiaje formados por montones de azúcar y ramas que se convierten en fantásticos caminos de nieve. No menos bello e impactante es la imagen resultante de la visión del perfil de una ciudad, pongamos por caso una gran ciudad cosmopolita, con todos sus rascacielos que podemos ver a través de un cristal traslúcido, resultado de un minucioso trabajo de ir superponiendo y colocando sobre una superficie acuática recipientes de plástico; todos juntos nos dan la imágen de una gran ciudad. Minutos después sigue transcurriendo el pequeño film y de nuevo sus manos trabajan  a la manera de un teatro de marionetas, construyendo un espacio todo definido por tabletas de chocolate, suelo y paredes de texturas de las onzas de chocolate. El artista esta vez nos deja adentranos en su obra viendo como trabaja su mano y como va colocando sobre el escenario los diferentes elementos; pero el resultado es, ¿ficción ó realidad?


Hans op the Beeck una vez más da muestra de su originalidad, creatividad, sutilidad y elegancia al plasmar cuestiones como la vida y la muerte, el paso del tiempo, la individualidad versus colectividad, la inmigración; todas ellas están presentes en sus obras y llevan al espectador a convertirse en algo más que un mero observador de la misma. El tiempo, el espacio son elementos destacables en todos su trabajos y sus escenarios parecen sacados de diferentes momentos de nuestra vida contemporánea, por lo que realidad y ficción se solapan.  Puede que sus obras visualmente parezcan un tanto melancólicas, donando a los aspectos de la vida  urbana moderna un alo de gran expresión poética.

jueves, 27 de febrero de 2014

Art Rotterdam 2014

Art Rotterdam 2014
Van Nelle Fabrieq ha sido el lugar elegido para albergar la XV edición de la Feria de Arte Contemporáneo de Rotterdam. Un lugar que destila magia y misterio, para muchos edificio emblemático para la muestra de arte. Llama la atención al llegar desde el puente su majestuosidad, alzándose como un buque blanco reclamando tu atención. Y es que esta antigua fabrica de te, tabaco y café, combina su arquitectura modernista  , su maquinaria, sus pasillos de azulejos blancos inmaculados con las miles de obras que presentan este año las 114 Galerías de arte principalmente de Holanda y los Países colindantes, que hacen que Art Rotterdam 2014 se focalize en su mayoría en arte europeo.
Tres secciones, Main Section, , Projections y New Artists. Tras el éxito del pasado año, la feria repite con un espacio dedicado a obras de video-art de jóvenes artistas europeos. En palabras del director de la feria, Fons Hof, "Es una nueva forma de mostrar imágenes de vídeo como una realidad propia dentro de la feria de arte. En un 1000 metros cuadrados de espacio a oscuras, encontramos 19 proyecciones de video de ubicación exentas en las paredes. Con una espectacular puesta en escena, ha sido muy bien recibida por los coleccionistas y curadores internacionales.(…) El video sigue siendo un medio joven en el mundo del arte, por lo que encaja perfectamente con nuestra identidad "
Ruben Bellinkx (Amberes, Bélgica, 1975). Artista paradigmático y singular. Animales vivos y objetos inertes conforman el maridaje en la mayoría de sus obras, en las que el ser humano se convierte en parte integrante de la historia, pero ¿quien domestica a quién?. Universo peculiar del artista donde la obra cuestiona los universos de poder y de control que el hombre ejerce con mucha inocencia sobre él mismo y sobre su entorno familiar. En Stasis (12') crea una escultura humana, a modo de Castellet, con la diferencia que los pilares de cada piso son hombres que sujetan con solo sus mandíbulas una mesa. Crea pues, nuevas realidades en un entorno muy figurativo, que sin embargo el resultado es ambiguo y abstracto. Stasis es parte de un trabajo en video en el que tortugas, mesas, sillas, conejos y humanos se interrelacionan.
Danika Dakic's (Sarajevo, 1962). Podríamos definirla como un artista de la imagen, video, cine, fotografía e instalaciones son los campos donde desarrolla su trabajo. Es un artista que investiga la identidad individual y colectiva a través de aspectos corporales.; siendo muy importante el lenguaje que se establece entre ellos y la cámara, estableciendo ciertos códigos interrelacionales entre los mismos, denotando sus gestos en ciertos momentos defensa ante un posible espectador. Así en First Shot (2007/2008) la identidad es la base del trabajo, reflejo de su propia experiencia como inmigrante bosnia en Alemania. Encuentra sus temas y actores normalmente en grupos sociales de marginados en diferentes partes del mundo, concretamente para este video, jóvenes discapacitados de Pazaric, un pequeño pueblo de Bosnia. dos protagonistas cubiertos con máscaras suben al escenario y muestran con sus gestos sus deseos, sueños y fantasías.
Miguel Angel Ríos, (Argentina, 1943). "The ghost of Modernity" (2012) nos habla de las zonas olvidadas en Perú, Mexico, Brasil y Argentina. El artista pone el acento en fenómenos políticos y sociales específicos de cada región y confronta al espectador tanto como a su identidad. En un paraje casi inhóspito un cubo de cristal vuela, con unos movimientos sinuosos y suaves, flota y se desliza a su vez en estructuras cúbicas metálicas sin paredes. Para la filmación de "Ghost of Modernity" tomó de referencia la música que compuso John Cage para el film de Hans Richter "Dreams that money can buy" (1947). Si Cage exploraba el silencio como elemento determinante, en el caso de Rios habla del silencio del paisaje, evocando este silencio a través de las estructuras cúbicas, con las paredes transparentes, vacías que hacen que el espectador entre en un espacio totalmente renovado del cual puede entrar y salir.

Fernando Sánchez Castillo
(Madrid, España, 1970). objetos cotidianos y simples como pueden ser las piedras son el instrumento que utiliza Castillo a modo de símbolos, que bajo una mirada irónica cuestiona temas como el arte, la política o la historia. Historia en concreto de España que ha sido preocupación constante en su trayectoria artística de la cual extrae su lado estético y moral. "Stone soul Army" (2013) muestra a componentes de las fuerzas armadas de Perú ejerciendo una especie de ritual-concierto con un único instrumento: Piedras; éstas adquieren un doble sentido, como símbolo político y cultural, pero también como el arma más antigua conocida, los músicos-soldados emiten sonidos que evocan tiempos pasados.
Art Rotterdam 2014
Van Nelle Fabrieq has been chosen as the place to host the XV edition of The contemporary Art rotterdam Fair. A place that oozes magic and mystery and for many a emblematic building for the art shows. Arriving there draws your attention its majesticality rising as a white ship catching our gaze. this old tea, tobacco and coffee factory, combining his modernist architecture, its machinery, its immaculate white tiled hallways with thousands of works presented this year by the 114 art galleries mainly from Holland and neighboring countries, which makes Art rotterdam 2014 focalize on mostly in recent European Art.
Three sections: Main section, Projections and new Artist can be seen the fair. following the success of last year, the show repeats a space devoted to video-art works from very young european artists. In the words of the show's Director, Fons Holf, "It's a new way to display video images as a separate reality within the art fair. A 1000 square meter space in the dark, there are 19 video projections with screens suspended on the air. boasting a spectacular staging, it was well received by international collectors and curators. Video is still a young medium in the art world, so it fits perfectly with our identity".
Ruben Bellinkx (Antwerp, Belgium, 1975) Paradigmatic and singular artist. Live animals and inanimate objects, make up the pairing in most of his works, in which the human being becomes and integral part of the story, but who tames who? the artist's particular universe questions the universes of power and control that man exercises with much innocence about himself and his family. In Stasis (12") he creates a human sculpture as a "castellet", but with the difference that the pillars of each floor are men holding a table just with their jaws. he creates, new realities in a very figurative environment, although the result is abstract and ambiguous. Stasis is part of a video work in with, turtles, tables, chairs, rabbits and humans interact.
Danika Dakic's (Sarajevo, 1962). Could described her as an image artist: video, film, photography and installations are the fields where she developed her work. she is an artist who investigates the individual and collective identity, through bodily aspect. the language being very important that exits between the performers and the camera, establishing certain inter-related codes character-camera-viewer, denoting gestures  at some moments of defense against a possible viewer. So in First Shot (2007-2008)identity is the base of work, reflecting her own experience as an bosnian immigrant in Germany. she finds their topics and actors normally in marginalized social groups in different parts of the world, specifically for this video, young disabled of Pazaric, a small village in Bosnia. In the video 2 protagonist wearing mask take the scene showing with gestures, their desires, dreams and fantasies.
Miguel Angel Rios (Argentina, 1943). The ghost of Modernity (2012) tell us about the forgotten Peru, Mexico, Brasil and argentinian areas. the artist emphasizes in specific political and social items of each region confronting the viewer as much as to his identity. In an almost inhospitable place a glass cube flies with sinuous and smooth movements floats and glides turn into metal cubic structures  without walls. For the filming of ghost of Modernity  reference was taken from the music composed by John Cage for the Hans Richter's film "Dreams the money can buy" (1947). If Cage explored silence as determinant element, in the case of Rios, he speaks about landscape silence, evoking this silence brought the empty cubic structures, with transparent walls, which make the viewer go into a completely renovated space which can come and go.

viernes, 31 de enero de 2014

Setxu Xirau Roig

Setxu Xirau Roig

Hasta donde pueden llegar los límites de la experiencia artística? Quien debe establecer cual es el fin de una práctica artística?. Dentro de los marcos establecidos y reconocidos como proceso creativo, nos encontramos a un nuevo artista, Setxu Xirau. Un artista claro y limpio en sus procesos comunicativos entre obra-objeto y receptor. Conversaciones que si bien aparecen ya comenzadas, dan pie a sesgados parlamentos que derivan en un sinfín de caminos y crean a su vez espacios de intersección con múltiples significados que pueden o no estar intrínsecos en cada pieza de su trabajo mas reciente.

En un principio y bajo una rápida mirada de su obra, conocemos y reconocemos objetos, es por lo tanto un guiño a la cultura pop, pero que Xirau re-contextualiza de nuevo donándolos de un nuevo horizonte característico, representativo y simbólico. Materia inerte que se convierte en núcleo reflector, cuestionando la vida de los objetos, sus usos y abusos, a su vez debatiendo su propia idiosincrasia. El resultado es de una sutil belleza estética, un claro ejemplo de ello es “The lovers”, en la que contrapone una maciza y tosca pata de elefante con una frágil copa de cristal, contraponiendo texturas, signos contrarios, lo hercúleo versus lo quebradizo, componiendo una metáfora de símbolos ante la que el espectador espera que ocurra lo inevitable, pero la debilidad del cristal contradice su propia cualidad, esperando impertérrita un desastroso final que nunca llega.







Xirau impregna a su obra todo un abanico de irónicos e inteligentes matices, las piezas hablan y el artista despliega sus dotes en las diferentes disciplinas artísticas, pintor-escultor-diseñador-creadordeespacio-poeta, aludiendo a nuestra sociedad y la cultura que nos rodea, estableciendo una crítica muy reflexiva acerca de cosas tan familiares como puede ser unos simples  y austeros botes de pintura, como si todo lo enmascarásemos, pero a la vez nos habla del elemento pictórico por excelencia que es la pintura, utilizando para ello el máximo referente en pintura para el hogar, Titan, creando un espacio cargado de poesía. Botes de pintura utilizada y derramada que se fusionan con el mostrador de madera están llenos de cultura e identidad de un territorio muy concreto como es la España de las ultimas décadas, porque quien no ha utilizado alguna vez en su hogar esta  archi-conocida marca de pintura?